Театральная музыка – в широком смысле музыка в любых театральных спектаклях, то есть как в постановках театра музыкального (опера, балет, оперетта, музыкальная драма, музыкальная трагедия), так и драматического.

 

В музыкальном театре музыка – важнейшее средство характеристики образов и сценических положений, неотъемлемый компонент драматургии спектакля, в конечном счёте – ведущий проводник художественной идеи. В драматическом театре она способствует созданию определённой эмоциональной атмосферы спектакля; наряду с прочими средствами воссоздаёт исторический, национальный и локальный колорит, углубляет характеристики персонажей, подчёркивает переломные моменты развития действия, драматические кульминации.

 

Театральные зрелища, как известно, возникли в древности (V в. До н.э.) и описаны Аристотелем, который определил их связи с музыкальным искусством. Первые театральные действия включали в себя слово и пение, танец и движение. Музыка и жесты усиливала значение слов, танцы иногда становились самостоятельными номерами. Подобные действия отличались синкретизмом (от греч. «соединение»), то есть такой степенью слитности составных частей – музыки и слова в первую очередь, что зритель не мог вычленить их в своём сознании и оценить каждую форму отдельно. Все отличительные качества музыки были восприняты и многократно усилены древнегреческим театром, в котором она составляла некий стержень, на который «нанизываются» все разделы трагедии. Действие музыки и звучащего слова в античной трагедии усиливалось специальной акустикой амфитеатров, законы которой были подсказаны древним греческим архитекторам горными ландшафтами. Постепенно публика научилась различать элементы представления, и со временем из них развились известные нам виды театра. Синкретизм сменился синтетизмом – намеренным соединением разных форм.

 

Авторы древнегреческих трагедий Эсхил, Софокл и Еврипид были не только поэтами, но и музыкантами. Правда, до учёных эпохи Возрождения их сочинения дошли почти исключительно в виде текстов, только от трагедий Еврипида «Орест» и «Ифигения в Авлиде» сохранились небольшие образцы музыкального сопровождения. Из сохранившихся источников видно, что диалоги чередовались с сольным и хоровым пением и с напевной рецитацией в сопровождении авлоса или кифары. Неотъемлемой частью любой античной греческой трагедии был хор. Занимая своё место на орхестре, он распевал стихи, осуждая или оправдывая действия главных персонажей. У актёров тоже жест и слово плавно переходили в пение, создавая тем самым максимальную эмоциональную наполненность. В хоре как правило было 12-15 человек, но он действовал от первого лица, подчёркивая тем самым единство народного мнения. Также функция хора состояла в том, чтобы создавать определённую атмосферу в той или иной сцене.

Источником создания музыкального театрального жанра в Средневековье послужило богослужение, в недрах которого вызревали драматические формы повествования о библейских событиях. Создание в конце XVI в. Жанра оперы означало переход от пространств храма к социальному кругу правящих слоев общества. Основа оперы – музыка, театр здесь условен, ведь в жизни люди не поют, чтобы рассказать о своих чувствах. Во всех сложившихся в опере стилях она продолжала оставаться музыкальным действом, решавшим задачи единения сознания не только в сюжете, в музыкальной драматургии и в музыкальном звучании, но и в социально-бытовом контексте. Поскольку опера – это всегда событие, на которое откликаются слои общества.

О́пера (от итал. opera — дело, труд, работа; лат. opera — труды, изделия, произведения, мн. ч. от opus) — род музыкально-драматического произведения, основанный на синтезе слова, сценического действия и музыки. Литературной основой оперы является либретто, оригинальное или основанное на литературном произведении.

 

В конце XVI века сообщество философов-гуманистов, поэтов и музыкантов, вошедшее в историю как Флорентийская камерата, решило возродить античную трагедию. Опираться энтузиастам пришлось на дошедшие до них описания античных авторов и собственное воображение.

На собраниях Флорентийской камераты много говорилось о современном состоянии музыки. Оно признавалось неудовлетворительным. В то время господствовали сложные полифонические формы: множество мелодических голосов (нередко свыше 20) звучало одновременно, при этом слова стихотворных текстов произносились вразнобой. Иногда каждый голос произносил свой текст (например, в так называемом политекстовом мотете). Все это приводило к тому, что понять слова, а следовательно, и содержание произведений вокальной музыки было невозможно. Да и сама музыка порой казалась слишком сложной для восприятия. Вот почему участники кружка называли полифоническую музыку «разрушительная поэзия».

Музыка древних греков была совсем иной. В ней господствовала мелодия простая и выразительная. Апогеем творческой деятельности камераты стала первая в истории опера Якопо Пери на текст Ринуччини «Дафна» (1598, сохранилась во фрагментах). Молодой жанр тесно связанный с профессиональным драматическим театром, и выводящий на первый план актёра-исполнителя, певца, требовал уже не просто мелодекламации, а именно пения. В связи с этим появляется римская оперная школа, а в 1637г. в Венеции был открыт первый публичный оперный театр. Тогда же в Венеции появляются первые законченные вокальные формы: арии, дуэты, терцеты.

Условный термин «опера» появился позже, чем обозначаемый им род произведений. Впервые использованный в этом значении в 1639 году, он вошёл во всеобщее употребление только на рубеже XVIII и XIX веков.

Во Францию опера начала приходить во времена Людовика XIII, когда кульминацией придворных празднеств становился балет, местами сопровождающийся пением.

Бале́т (фр. ballet, от итал. ballare — танцевать) – вид сценического искусства, спектакль, содержание которого воплощается в музыкально-хореографических образах.

 

Началом балетной эпохи во Франции и во всём мире следует считать 15 октября 1581 года, когда при французском дворе состоялось представление зрелища, которое принято считать первым балетом — «Комедийный балет королевы» (или «Цирцея»), поставленное итальянским скрипачом, «главным интендантом музыки» Бальтазарини де Бельджозо. Музыкальную основу первых балетов составляли придворные танцы, входившие в старинную сюиту. Во второй половине XVII века появляются новые театральные жанры, такие как комедия-балет, опера-балет, в которых значительное место отводится балетной музыке, и делаются попытки её драматизировать. Но самостоятельным видом сценического искусства балет становится только во второй половине XVIII века благодаря реформам, осуществлённым французским балетмейстером Жан-Жоржем Новерром (1727—1810). Основываясь на эстетике французских просветителей, он создал спектакли, в которых содержание раскрывается в драматически выразительных образах.

В 1855 году, также во Франции, зародился ещё один вид музыкального театрального искусства – оперетта. Опере́тта (итал. operetta — уменьшительное от «опера») — музыкально-театральный жанр, сценическое произведение и представление, основанное на синтезе слова, сценического действия, музыки и хореографии.

 

Этот вид театрального искусства зародился как раз в тот период, когда Франция переживала не лучшие времена, когда правительство было окружено глупыми, бездарными министрами. Именно эта особенность послужила созданию пародийных сюжетов с целью показать широкой публике и высмеять политику и действия генералитета.

Основателем оперетты считается Жак Оффенбах, открывший в 1855 году свой собственный театр «Буфф-Паризьен». Первые оперетты Оффенбаха «Двое слепых», «Прекрасная Елена», «Орфей в аду» оказались очень современными, хотя и были написаны на мифические и сказочные сюжеты.

В оперетте, в отличие от оперы, не только пели, но и говорили.

Ещё один выдающийся композитор оперетты – Иоганн Штраус. С его именем связаны величие и блеск венской классической оперетты. Его феноменальный дар ярко раскрыт в проникновенных и благородных мелодиях 479 оперетт. В 1874 году Штраус создал настоящий шедевр, покоряющий сердца многих людей по сей день – оперетту «Летучая мышь».

Во второй половине XIX в. в Америке зарождается совершенно новый, одновременно похожий на всё, и не похожий ни на что из того, что было раньше, жанр музыкального театра. Имя ему - мюзикл. Первым в истории мюзиклом считается Нью-Йоркская постановка «Black Crook», в которой соединились элементы вокала, романтического балета, мелодрамы. Позднее в американском мюзикле появились мотивы джаза и регтайма, исполняемые популярными артистами. На заре своего существования мюзикл определялся как лёгкий жанр, и назывался также музыкальной комедией. Многие мюзиклы, поставленные в 60е-70е годы XX столетия стали настоящими хитами, и известны по сей день. Например, Hair, Jesus Christ Superstar, Cats, Phanthom of the opera.

Во Францию мюзикл пришёл значительно позже, и был менее зрелищным, чем на Бродвее, больше напоминая эстрадные концерты. История Французского мюзикла началась в постановки Starmania, ставшей легендой и классикой жанра, и не однократно возрождавшейся в разные годы и с разным актёрским составом. За Старманией последовали нашумевшие Notre Dame De Paris и Romeo et Juliette. De la haine, a l`amour, после которых уже чётко сформировался отдельный жанр именно французского мюзикла.

Первыми шагами в России в жанре, приближённому к мюзиклу была рок-опера Алексея Рыбникова «Юнона и Авось», поставленная в 80-е годы в театре Ленком. Позже, в начале 90-х Павел Хомский поставил в театре Моссовета, привезённую из-за рубежа и переведённую на русский язык рок-оперу «Иисус Христос - Суперзвезда». Но первым мюзиклом в полном смысле этого слова стал польский мюзикл «Метро», прогремевший в Театре Оперетты в 1999 году, и подаривший нам плеяду молодых артистов мюзиклов, которые и по сей день работают именно в этом жанре.

Сейчас в современном музыкальном театре популярен именно этот жанр, так как он сочетает в себе абсолютно все способы творческого самовыражения, воспитывая универсальных артистов, которые должны одинаково профессионально петь, танцевать, и при этом быть невероятно одарёнными драматическими актёрами. Несмотря на это мюзикл остаётся лёгким для восприятия жанром с популярными запоминающимися мелодиями, которые в состоянии напеть любой зритель, выходящий со спектакля.

Драматический театр был и остаётся одним из самых распространённых и популярных видов искусства. Главное выразительное средство – слово, через него раскрывается смысл происходящих событий, характеры действующих лиц. Подлинное мастерство, умение владеть выразительными средствами сценического искусства зависит наряду с другими факторами и от уровня музыкальной культуры. Ведь музыка — один из важнейших элементов театрализованного представления почти любого жанра.

Редкий драматический спектакль обходится сегодня без музыки. Инструментальная и вокальная, самостоятельная и вспомогательная, дополняющая драматическое действие (например, персонаж играет на музыкальном инструменте, танцует, поет), музыка помогает раскрыть идею пьесы, психологию и характеры действующих лиц, вводит зрителя в эпоху, подчеркивает время и место действия, обнажает драматический или комический подтекст, создает психологический фон для диалога, поддерживает ритм спектакля, уточняет его жанр и выполняет другие задачи.

Вместе с драматургом, режиссером и актером композитор — один из авторов спектакля. Приступая к работе над пьесой, он тщательно знакомится с музыкой времени, в котором происходит действие. Под какую музыку танцевал на балу Чацкий? Какие песни были по нраву купцам из пьес А. Н. Островского? Что трубили королевские трубачи при выходе короля Лира? Изучив музыкальную фактуру эпохи, композитор её не копирует, а чаще всего пишет музыку, лишь в какойто степени имитирующую исторический мелос и музыкальную стилистику тех лет. Такой подход оправдан: пьеса старая, но идетто она сегодня, смотрят её сегодняшние зрители.

В истории театра были периоды, когда музыка лишь усиливала эмоциональные переживания зрителей. Так, в мелодраме, когда злодей подкрадывался к жертве, зловещая музыка предупреждала публику о готовящемся злодеянии; встречу влюбленных отмечал ликующий мажорный всплеск, а их разлуку подчеркивала печальная флейта. Отзвуки такого использования музыки живы до сих пор, но теперь не они определяют характер музыки для театра. Сегодня она — важнейшее средство образного отражения действительности.

Музыкальное оформление спектакля, в зависимости от пьесы, решается поразному. Иногда музыканты или источник музыки (патефон, граммофон, магнитофон, телевизор) находятся непосредственно на сцене или музыку исполняет персонаж (при этом лучше, когда актер сам владеет музыкальным инструментом). Она может звучать и за сценой — как знак происходящих неподалеку событий (военный оркестр в «Трех сестрах» А. П. Чехова). Музыкальное оформление составляется и из фрагментов музыкальных произведений (фрагменты «Патетической сонаты» Л. Бетховена в пьесе М. Г. Кулиша «Патетическая соната», Камерный театр, 1931). В некоторых случаях режиссер сознательно использует знакомую мелодию, чтобы вызвать определенные ассоциации у зрителей (песни фронтовых лет в пьесе А. Н. Арбузова «В этом милом, старом доме»). При помощи музыки театр демонстрирует свое отношение к персонажу или событию, героизирует его (гимн «Венсеремос» в спектаклях о С. Альенде и событиях в Чили) или сатирически высмеивает (песенка «Съезжалися к загсу трамваи» из «Клопа» В. В. Маяковского), подает его в определенном ключе — лирическом (серенады в комедиях «плаща и шпаги») или романтическом (песни гасконцев в комедии «Сирано де Бержерак» Э. Ростана). Есть целый ряд пьес, посвященных непосредственно жизни музыкантов («Моцарт и Сальери» А. С. Пушкина, «Лето в Ноане» Я. Ивашкевича о Шопене, «Музыкантская команда» Д. Дэля, «Старший сын» А. В. Вампилова), где музыка становится главным действующим лицом спектакля. С драматургией Б. Брехта и композитора К. Вейля связано появление зонгов — вставных музыкальных номеров, исполняемых актером уже как бы от своего имени или от имени театра. Зонги обычно не связаны с сюжетом пьесы, они политически тенденциозны и несут в себе страстный призыв или сатирическое осмеяние чеголибо. Зонги вводятся в спектакли публицистического плана для расширения и углубления зрительского восприятия идеи пьесы и её проблематики. Музыку для театра писали многие композиторы. Классической стала музыка И. А. Саца к «Синей птице» М. Метерлинка, поставленной К. С. Станиславским в Московском Художественном театре. Много сделали в области музыки для театра С. С. Прокофьев, Д. Д. Шостакович, Ю. А. Шапорин, Т. Н. Хренников, Д. Б. Кабалевский, Г. В. Свиридов, Г. И. Майборода, О. В. Тактакишвили. Продолжает жить самостоятельной жизнью музыка Хренникова к комедии У. Шекспира «Много шума из ничего». Значительным событием стало создание А. И. Хачатуряном музыки к драме М. Ю. Лермонтова «Маскарад». Всем памятна музыка Кабалевского к пьесе Р. Б. Шеридана «Школа злословия». Велика роль музыки в спектаклях для детей, особенно если это сказка, феерия, карнавальное представление. Каждый персонаж имеет свою образную музыкальную характеристику. В таких спектаклях нередки не только вставные песни и танцевальные номера, но и арии, дуэты, трио, квартеты, хоры. Постановки такого рода тяготеют к жанру мьюзикла. К наиболее интересным относятся работы композиторов Э. С. Колмановского («Белоснежка», театр «Современник»), М. А. Осокина («Сказки Пушкина», ЦДТ), Г. И. Гладкова («Бременские музыканты», Театр имени М. Н. Ермоловой), М. И. Дунаевского («Три мушкетера» по А. Дюма, МТЮЗ), М. С. Болотина («Принц и нищий» по М. Твену и С. В. Михалкову, МХАТ). Музыка может выразить любые человеческие чувства и эмоции, поэтому театрально-музыкальные жанры всегда пользуются популярностью миллионов людей. Всему миру они интересны и понятны независимо от национальной принадлежности.